Venta de entradas: en el propio teatro desde dos horas antes
Mucho tiempo sin aparecer, ya lo sé, bueno me falta menos para acabar un proyecto que tengo y necesito terminar y poderle dedicar algo de mi tiempo a este blog. Además, gracias a este concierto he aparecido antes de principios de julio que era mi idea. Y claro con este tipo de música que nos gusta la verdad es que no se puede desaprovechar ninguno de los pocos conciertos a los que podemos asistir por la cercanía.
Mi propuesta es Steve Coleman un espíritu libre, inquieto y trasformador que es la esencia del free. Aunque su trabajo esté hecho a su manera, estudioso de la música, fundador del M-Base, una compleja teoría sobre la integración de ritmos de funk, soul, músicas del mundo sobre todo africanas y jazz. Por este motivo el considera que actualmente esta desfasado el poner una etiqueta a la música, no utiliza el término jazz sino composición orgánica. Más información en la wiki http://es.wikipedia.org/wiki/Steve_Coleman
Bueno una propuesta acertada dentro del ciclo de jazz que organiza el centro de iniciativas culturales de la Universidad de Sevilla
1.White Light/White Heat (Lou Reed) 2:47
2.The Gift (Lou Reed, Sterling Morrison, John Cale, Maureen Tucker) 8:19
3.Lady Godiva´s Operation (Lou Reed) 4:56
4.Here She Come Now (Lou Reed, Sterling Morrison, John Cale) 2:04
5.I Heard Hell Call My Name (Lou Reed) 4:38
6.Sister Ray (Lou Reed, Sterling Morrison, John Cale, Maureen Tucker) 17:27
Créditos
Lou Reed – Voz, guitarra, piano
John Cale- Voz, viola, órgano, bajo
Sterling Morrison- Voz, guitarra, bajo
Maureen Tucker – Percusión
Tom Wilson- Productor
Gary Kellgren- Ingeniero
Compañía discográfica- Verve
Año 30 de enero de 1968
Introducción
Otro disco más en esta sección esta vez ni es de Jazz, ni de Flamenco, bueno así os podéis hacer una idea de la heterogeneidad de la música que me gusta o escucho. Sin embargo tiene algunos aspectos en común con los anteriores discos. El primero y más importante es el poco éxito comercial que contó en su día, de hecho, este primer trabajo grabado ya con el nombre de The Velvet Underground y el primero también con la discográfica Velve (especializada en Jazz), y que solo les aguantó la grabación de otro segundo disco, antes de deshacerse de ellos. La segunda coincidencia es la brecha que abrió hacia nuevos caminos en el rock.
Este trabajo se podría decir que es el primer álbum de The Velvet Underground aunque en realidad fuese el segundo. Pero se daba la circunstancia de que en esta grabación estaban reflejados ellos sin trabas ni imposiciones. En el primer disco fueron impuestas muchas cosas, una era la cantante Nico una bella actriz que había sido descubierta por Fellini y que Warhol, ya famoso, había incluido en la pléyade de su Factory. No les hizo ninguna gracia a Reed y a Cale que Nico participara en la grabación. Transigieron en llevarla a la gira que Warhol como representante les consiguió, pero eso a contar con ella para la grabación del disco era diferente. De aquí el nombre de The Velvet Underground & Nico. Que conste que Warhol para mi gusto, es un artista sobrevalorado en exceso, bueno en mi humilde opinión. Famosa fue la portada diseñada por el artista que en la primera edición del LP incluso el famoso plátano, se podía pelar. Otra curiosidad era la inclusión de Warhol en los créditos como productor cuando en realidad esta labores fueron realizadas por Tom Wilson. Pero no todo fue negativo, sus primeros conciertos eran una autentica performed donde se proyectaban grabaciones realizadas por Warhol de los ensayos de la banda, además, otro miembro de la Factory, Paul Morrisey, ideó un show de luces y bailarinas que actuaban junto a la banda, algo demasiado avanzado para el año 1966.
La leyenda del tiempo
16 de junio de 1977 PolyGram
Canciones
1.La leyenda del tiempo (Federico García Lorca/Ricardo Pachón) (Jaleos) 3:41
2.Romance del Amargo (Federico García Lorca/Ricardo Pachón) Buleria por Soleá 3:47
3.Homenaje a Federico (García Lorca/Pachón/Kiko Veneno) Bulerías 4:10
4.Mi niña se fue a la mar (García Lorca/Pachon/Veneno) Cantiñas de Pinini 3:05
5.La Tarara (Trad. Arreglos Ricardo Pachón) Canción 3:46
6.Volando Voy (Veneno) Rumba 3:25
7.Bahia de Cádiz (Pachón/Fernando Villalón) Alegrías de baile 2:56
8.Viejo mundo (Omar Khayyám/Veneno) Bulerías 2:45
9.Tangos de la Sultana (Antonio Casas/Pachón/Francisco Velázquez) Tangos 4:29
10.Nana del caballo grande (García Lorca/Pachón) Nana 4:58
Créditos
Camarón: voz
Tomatito: Guitarra española
Raimundo Amador: guitarra española
Jorge Pardo: flauta
Manolo Marinelli: teclados
Pepe Roca: guitarra eléctrica
Gualberto: sitar
Rubem Dantas: percusiones
Tito Duarte: percusiones
José Antonio Galicia: percusiones
Antonio Moreno “Tacita”: percusiones
Pepe Ébano: bongó
Manolo Rosa: bajo
Ricardo Pachón: productor
Precedentes
Hubo otros discos pioneros en mezclar el flamenco con otras músicas el primero que yo conozca es un disco de Sabicas con Joe Beck que se hizo en 1970. Aunque en el disco la parte de la guitarra española esta separada de lo eléctrico, parece como un dialogo más que un conjunto homogéneo
Justo un año después encontramos otra muestra, esta vez protagonizada por el grupo Smash al que se le había unido Manuel Molina (Lole y Manuel). También en esta ocasión la mezcla no parece del todo homogénea.
No obstante eran tiempos de cambios y unos años más adelante nos encontramos con diferentes acercamientos del pop o el rock con el flamenco y así nos encontramos, en el 74 con el, gypsy rock, de las grecas, en el 75, Nuevo día, de Lole y Manuel y por supuesto Veneno. También en el 75 grupos como Triana, le dan un empuje a esta música. Exceptuando a Lole y Manuel todos los demás experimentos son del pop o rock aderezado con alguna aportación flamenca, y no el caso contrario desde el flamenco haciendo guiños a otras músicas, este es el motivo por el cual hablemos de este trabajo con otra perspectiva.
En el año 1975 se le concede a Camarón de la Isla el Premio Nacional de la Cátedra Flamencología de Jerez, como reconocimiento a su labor flamenca. Sus discos hasta el 1977 habían sido producidos por Antonio Sánchez, padre de Paco de Lucía, era una persona sería y su visión del flamenco estaba en reflejar lo más fiel posible su pureza. Su contrato con el cantaor terminó tras su disco, Castillo de arena, Camarón había llegado a lo más alto del flamenco y por su cabeza pasaba hacer otras cosas, buscar nuevos caminos. Desde siempre le ha unido una gran amistad con Manuel Molina, en su último trabajo, Nuevo Día, junto con Lole había gustado mucho. Camarón le ofreció a Ricardo Pachón trabajar con Manuel para su próximo disco.
El nuevo disco iba a ser una obra escrita en principio por Manuel Molina, por este motivo Camarón y su mujer la Chispa se instalaron en la casa que Manuel y Lole tenían en Umbrete, una localidad en el aljarafe sevillano. Parece ser que un asunto domestico anuló las posibilidades de este trabajo en conjunto. Sin proyecto, Pachón, busca el apoyo de Kiko Veneno y Raimundo Amador con los que ya había trabajado en su trabajo, Veneno. Kiko y Ricardo manejan la idea de trabajar sobre letras de Federico García Lorca, para Kiko, era un camino hacia atrás en la cultura para poder dirigirnos hacia delante y romper la oscuridad y los clichés franquistas. Durante un encuentro de todos juntos con Camarón, Kiko empieza a tocar junto con Raimundo, canta una parte del Volando voy que parece gustar a José, es cuando aparece la empatía y se empieza a vislumbrar la posibilidad de un trabajo en común. Ricardo, con sus conocimientos y trabajo fue completando las letras sobre la poesía de Lorca que conforman el grueso del disco. Además, Kiko rescata la letra de un poeta sufí del siglo XI y Ricardo otra del poeta Fernando Villalón. Así se trabajaba sobre el esqueleto musical de los temas.
La concreción de la idea
En un chalé de Umbrete, a escaso metros del de Manuel, pero este propiedad de Ricardo Pachón, Camarón con Ramón Jiménez, el tío de su mujer la Chispa y con Juan el Camas como intendente y cocinero van recibiendo a una prole de músicos que van a ayudar a dar forma a la parte musical de los temas. Kiko Veneno, Raimundo y Rafael Amador, Manolo Rosas y los hermanos Marinelli músicos del grupo Alameda, empiezan a perfilar la música. Pero otra pieza angular para la creación del disco fue Tomatito que le dio el equilibrio flamenco para contrarrestar las otras influencias foráneas. La primera reacción de Tomatito cuando oyó a Kiko tararear una canción, fue decirle a Camarón “¿Y esto es lo que vamos a grabar?” pensando en lo que le diría su gente de Almería al escuchar a su paisano tocándole al de la Isla. El ambiente era relajado la marihuana, el mosto de Umbrete y el ir y venir de amigos de los músicos hicieron el resto. Camarón escuchaba las diferentes propuestas y las enclavaba con su particular estilo, hasta el punto de relajar a Tomatito de su particular preocupación. Todo lo convertía con facilidad al terreno del flamenco. Según sus conocidos Camarón era una persona valiente, que en los momentos de duda siempre daba un paso adelante.
La grabación
No todos fueron a Madrid a la grabación del disco, algunos como Kiko se quedaron en Sevilla. Solo Raimundo Amador y Tomatito se quedaron hasta la finalización del disco. La grabación se hizo en el estudio más grande de Universal, Camarón no conoció la existencia de este estudio hasta ese día, pues siempre había grabado en uno pequeño solo para dos guitarras, los palmeros y él, en este estudio se unieron flamencos sin estudios musicales, con otros músicos que sí los tenían. La grabación duro un mes, en la misma participaron un gran número de personas, los músicos de Alameda los hermanos Marinelli, el tazita, Jorge Pardo, Rubem Dantas, Diego Carrasco y muchos más. Los amigos de los músicos se pasaban por el estudio, los músicos que ya habían grabado se quedaban formando una gran familia en la que todos compartían todo. Este experimento podía haber salido de cualquier forma, la gran familia musical unida y Camarón integrado perfectamente en ella, dio como resultado esta genialidad.
Ricardo Pachón una vez grabado el disco se lo llevo a Paco de Lucia para saber de su opinión. Paco, reconoció que era un gran disco. Salvando que el sonido no es demasiado bueno, con unas guitarras comprimidas y una ecualización de la época que le da un toque muy característico. Este trabajo solamente se presentó una vez al público con todo los músicos, fue en Barcelona en un festival en el que Camarón actuó junto a Wheather Report, Jaco Pastorius y otros artistas más.
Para el mundo del flamenco el disco no fue entendido como una obra grande, de hecho fue un fracaso comercial. Los gitanos iban a la tienda a devolver al disco, argumentando que aquello no era Camarón. Suele pasar que los discos que se adelantan a su tiempo, tengan ese poco reconocimiento. En la actualidad, esta grabación ocupa uno de los cinco primeros puestos, en todas las catalogaciones de los mejores discos de la música española.
Hävard Wiik al piano
Ingebrit Häker Flaten al bajo
Ken Vandermark al clarinete y clarinete bajo
Lo que queda claro al oír Free Fall es lo perdurable de su música. Si Giuffre tuvo que disolver la formación en 1962 por su escaso reconocimiento, bien por ser excesivamente adelantada para la época, o quizá esa atemporalidad en su música es lo que pudo motivarlo, no olvidemos que fue una época donde los cambios y las aportaciones de nuevos sonido eran constantes.
Free Fall suenan frescos y atemporales, ese trabajo situado en el lado más introspectivo del free, unido a la cercanía a la música de cámara, le confiere ese carácter. Pero al contrario de, Giuffre, que realizaba una armonía más puntillista o microtonal, como le gustaba definirla a los críticos de la época; el trío de Vandermark, Wiik y Häker Flaten no suena estridente, ni duro, aunque si que tiene una gran energía aportada por el contrabajo y el clarinete, en contraposición a las aportaciones del piano más planas. Por cierto, es un verdadero espectáculo ver a Häker Flaten como se contorsiona sobre el bajo. Que decir de Vandermark, está en un momento espectacular salían de su clarinete notas increíbles. Un trío perfectamente engrasado, sus improvisaciones están tan equilibradas que no parece que sobre, ni falte una nota. Resumiendo, un concierto que recomiendo a cualquier persona con una mínima sensibilidad (sabéis que yo como buen yogi, estoy en el camino, no tengo enemigos). Es un acierto el nombre del último álbum, escala de grises, así también se puede definir su música una degustación exquisita de texturas suaves y a la vez enérgicas, embriagadoras e incluso hechizantes hasta el silencio del final del tema, donde quedaba suspendida las ondas de las últimas notas hasta que se hacían imperceptibles para nuestros oídos, al igual que pompas de jabón. No se echa en falta el color como una buena fotografía en blanco y negro, cabalgando por la escala de grises. Todos tuvimos la sensación de estar en un momento mágico. Por cierto, ya he descubierto mi música preferida para estudiar, por lo menos para este curso.
El próximo concierto que recomiendo será para el día 25 de noviembre
FREE FALL
Universidad de Cádiz Aulario la Bomba
Paseo Carlos III nº 3 CP 11003
Hora: 21:00
Precio: 10 Euros; 6 Euros entrada de estudiante
Los miembros del trío, FREE FALL, son Havard Wiik al piano, Ingebrit Haker Flaten al bajo y Ken Vandermark a los clarinetes. Se inspiran en el grupo clásico que en 1961 estaba formado por Jimmy Giuffre con Paul Bley y Steve Swallow, de hecho el nombre del grupo esta sacado de un álbum de esta formación http://en.wikipedia.org/wiki/Jimmy_Giuffre
Su intención es explorar el free jazz no en el modo fuerte y agresivo como lo hacían Albert Ayler y Archie Shepp, sino con un enfoque más silencioso y tranquilo más cercano a la música de cámara.
El grupo siempre ha trabajado con su propias composiciones desde su primer álbum, Horno, tuvo un gran éxito en 2002. Su último trabajo del 2010 es Gray Scale http://www.kenvandermark.com/discography.php
Coleman nació y creció en Fort Worth (Texas) en plena depresión. Son unos años duros, pero no fue así para la música afroamericana en Texas. Existía un gran ambiente musical, decenas de bandas de primera fila tocaban por todo el estado. Florecía un estilo musical de piano que se conocía por boogie-woogie o piano de texas. De manera similar, pero esta vez con un saxo tenor que impregnado de blues estaba siempre presente y, que era habitual en la música popular de la época. Con el tiempo este sonido sería conocido como tenor de Texas. No es descabellado afirmar que el blues dominaba la cultura musical de la cultura negra en Texas en los años que Coleman empezaba a dar sus primero pitidos al saxo. En su adolescencia, Coleman se compró un saxo alto, cuando estaba aprendiendo tocarlo confundió la escala y decidió por su cuenta que la escala empezaba por la en vez de por do. Lentamente y por su constancia consiguió hacerse con una base musical pero contó con innumerables contratiempos por el camino. Coleman, adaptaba el blues a su música e incluso en algún tiempo experimentó con el bop, pero aquello que tocaba sonaba muy diferente a lo que se escuchaba por aquella época. Siempre estuvo por encima su forma de tocar y su particular enfoque de la improvisación. En las grabaciones extraoficiales realizadas en el club Hillcrest de Los Ángeles, el saxofonista toca un tema de Parker, Klactoveedsedstene, pero el resultado se aleja de la lectura original y de cualquier estilo dominante. La fuerza del tema esta en la forma en Coleman adapta el tema.
Sus actuaciones en el club Hillcrest hicieron posible la consolidación de los que luego sería el cuarteto que tocó durante mucho tiempo con el saxofonista. Todos ellos tenían como principal punto común el hacer una música mas experimental. Don Cherry, la primera vez que vio a Coleman se quedó impresionado al verlo con barba, pelo largo y un abrigo cuando se registraba treinta y dos grados de temperatura. Tampoco tenia a su favor el aparecer con un saxofón de platico, quizá esto dio pie a las excentricidades que luego Cherry alimentaria con una trompeta de bolsillo. A simple vista el más normal y el componente que da cierta estabilidad tanto emocional como musical era, Charlie Haden. El contrabajista con gafas y bien vestido, se asemejaba a un empleado de banca. Pero creó ese punto intermedio necesario para suavizar las aristas de la música free, con su solidez y al mismo tiempo templanza y suavidad. El pianista y que ejercía de líder era Paul Bley, que permaneció poco tiempo con Coleman, pero que dejaría en años posteriores una huella importante en el free jazz con grabaciones como, Footlose, Mr. Joy, Open for love, entre otras.
La grabación de, Something Else! The Music of Ornette Coleman,que fue denominada en muchos círculos e incluso por la revista Down Beat como un trabajo muy vanguardista, fue en realidad menos avanzado de lo que se presuponía. Las improvisaciones transmiten un modo modal y sólo se intuye la atonalidad de su posterior obra. Sin embargo, parece como si se les hubiera despojado a las canciones de su lastre y clichés y su sonido se percibe más fresco. Pero fue su obra Free Jazz la que rompería los esquemas y presentara a un Coleman radical y totalmente experimentador. Ya hablamos de esta obra en el capitulo anterior.
En esta época ya Coleman tenía un reconocido prestigio, disfrutaba de becas. Nunca sin olvidar que todavía muchas amantes del jazz reniegan de escuchar un disco de free jazz por parecerles una aberración. Pero para otra parte de aficionados tenia ya cierto reconocimiento, es entonces cuando sólo graba un par de discos y se recluye para seguir con su conocimiento musical. Lo sorprendente en este caso es que practicara con el violín, la trompeta y la guitarra y no con un estudio formal del saxofón.
Coleman vuelve en el 1965, y empezaría lo que podemos llamar como segunda parte de su carrera. En esta ocasión en vez de emplearse con el saxofón, se convierte en un músico incansable que abarcaba muchas propuestas diferentes. No sin guiños al pasado con algún que otro concierto, es capaz de abrir nuevos caminos como escribir la música de un quinteto de viento-madera, una obra orquestral Inventions of Symphonic Poems. Una composición como Emotion Modulation interpretada por trompeta y violín, por Coleman, acompañado de dos contrabajistas, una batería y con Yoko Ono como cantante. Hizo de vocalista para un trabajo de Louis Amstrong. Escribió piezas para un cuarteto de cuerda. Un suite Sun suite in San Francisco para el solista de trompeta Bobby Bradford acompañado de cuarteto de Coleman y una orquesta de treinta y cinco miembros.
Todos estos caminos los podemos ver plasmados en los discos Empty Foxhole, The New York is Now!,Science Fiction y Skies of America.
En los siguientes años Coleman que siempre había evitado los instrumentos armónicos como el piano y la guitarra, se une con un guitarrista James “Blood” Ulmer y fusiona el free con elementos funk, rock y música electrónica experimental.
Si no conocéis la obra de Ornette Coleman y dentro de su extensa obra no sabes que escuchar o por donde empezar no te preocupes te hago una recomendación de tres de sus discos. Los dos primeros son de su primera época, corresponden a dos grabaciones de las primeras que realizó para Atlantic con su cuarteto consolidado con Donald Cherry a la trompeta, Charlie Haden al bajo y Billy Higgins a la batería. Estas dos muestras pueden ser una buena introducción, de hecho, más accesible que Free Jazz ya mencionado en la primera parte.
